در سال 1948، جوآن میچل هنرمندی 23 ساله بود که در یک آپارتمان کوچک در پاریس زندگی می کرد. او پس از جنگ جهانی دوم وارد فرانسه شد و به ملتی رسید که هنوز درگیر جیره بندی ها و آشوب ها بودند. میچل، که به تازگی از موسسه هنر شیکاگو فارغ التحصیل شده بود، به پاریس آمده بود تا تاریخ نقاشی فرانسوی را مطالعه کند و تکنیک های استادان را بیاموزد، اما دریافت که اعتیاد به کار او، اعصاب او را خرد کرده و او را برای حضور در تجمعات اجتماعی و شهری بسیار مضطرب کرده است. میچل شبهای خود را بیدار سپری می کرد و با تب و تاب سعی می کرد مهارت خود را بهبود بخشد و در اطراف اجاق گاز خود را برای گرم شدن جمع میکرد.
او در ماه اکتبر همان سال در نامه ای به معشوقش ، بارنی رزت نوشت: “من جایی هستم که همیشه می خواستم باشم – اجاق گاز – نان و شراب و بوم – حتی افسرده نیستم – فقط به یک حقیقت واقعی در مورد جایی که متعلق به من نیست ، رسیدم.” سرخوردگی میچل در این دوره اولیه در پاریس، هنگامی که او احساس کرد “به طرز وحشتناکی نقاشی میکند”، ممکن است ناشی از عدم درک او در تطابق با غول های هنری باشد که او بسیار تحسین می کرد. در نوجوانی ، او با یک برنامه ثابت موسیقی، رقص، ورزش و هنر، با سفرهای منظم به موسسه هنر برای دیدن شاهکارهای قرن نوزدهم از سزان، مونه و ون گوگ، پرورش یافت.
در موزه هنرهای مدرن سانفرانسیسکو، مشخص می شود که چگونه تصمیم جوآن میچل باعث نوشته شدن نام او در تاریخ به عنوان یکی از بزرگترین نقاشان صاحب سبک و امضا که خطوط اکسپرسیونیسم انتزاعی را گسترش داد، شد. این نمایشگاه در 10 گالری، با حدود 80 نقاشی روغنی و آثار روی کاغذ، نشان می دهد که چگونه حرکات جسورانه ضربه های قلم موی میچل به او اجازه می دهد تا به جنبش اکسپرسیونیسم انتزاعی جان تازه ای ببخشد، حتی در حالی که از نظر هنر پاپ و مفهوم گرایی از مد افتاده بود.
طرح های میچل و یک نقاشی از اولین اقامت او در پاریس در سال 1948 – مجموعه ای که شامل نمای اجاق کوچک او است ، که به سبک کوبیستی حلقه ای معروف پیکاسو ارائه شده است – از جمله آثار قابل مشاهده در گالری ها است. این آثار اولیه نشان می دهد که چگونه توجه دقیق به فرم، رنگ، خط و فضا – اجزای سازنده همه نقاشی ها – می تواند رویکرد مورد مطالعه و عمدی هنرمند در نقاشی را تا پایان عمر مشخص کند.
جوآن میچل در اوایل دهه 50 در نیویورک با همسالان خود نمایشگاه داشت و با ادامه تحصیل و توسعه تمرینات خود ، کار او به تدریج متمایز شد. آثار میچل بر خلاف سایر آثار هنرمندان اکسپرسیونیستی که علاقه دارند رد قلم روی کل بوم را دربرگیرد، سبک تر است. به طوری که او دوست داشت رد قلم از لبه های بوم فاصله بگیرد.
در اواسط دهه 1950، او سفرهای مکرر بین نیویورک و پاریس را شروع کرده بود، بوم هایش را جمع کرده و بین استودیوهای کوتاه مدت رفت و آمد می کرد. او در سال 1959 به طور دائم به فرانسه نقل مکان کرد و در استودیوی واقع در خیابان 10 فرمیکورت در پاریس مشغول به کار شد و بعداً ملکی را در وتویل خریداری کرد، جایی که مونه زمانی در آن زندگی می کرد. یک نگاه دقیق به نقاشی های میچل، چگونگی تجلی وضعیت روانی او بر روی بوم را روشن می کند. در نقاشی هایی مانند “Harbor December” و “Hemlock” ، هر دو از سال 1956، میچل ضربات طولانی و گسترده ای از رنگ را در اطراف هسته مرکزی را به صورت چند لایه و متراکم می پیچد تا حس پیچ خوردگی را نشان دهد – به هم خوردن، جمع شدن و چرخیدن در اطراف.
در دو نقاشی با موقعیت هوشمندانه ، بینندگان می توانند تمایل او را برای ایجاد هرج و مرج کنترل شده درک کنند. با نقاشی های متضاد قرمز ، آبی و نارنجی که در دو جهت در قسمت های جداگانه اش تابیده می شود ، تابلو 1957 “To the Harbormaster” ، با نام شعر دوستش فرانک اوهارا (اولین سطرهایش: “من همیشه در حال بستن هستم/و پس از آن تصمیم به رفتن ) – بیان می کند که چگونه بخشهایی از خود می تواند دائماً در تقابل با یکدیگر احساس کند. “زمان گل” (1960) ، با موج های رنگ زمین که در اطراف یک نقطه مرکزی می چرخد، به دلیل توانایی خود در جذب احساس خشم متمرکز، که با شستشوی کم رنگ خاکستری و نارنجی در گوشه های بوم جبران می شود، شگفت انگیز است.
طی دهه گذشته ، تک نگاری هایی مانند “بانوی نقاش” پاتریشیا آلبرز (2011) و انبار مشعل مری گابریل ، “زنان خیابان نهم” (2018) ، گواهی داده اند که زیبایی بی نظم میچل با شخصیتی شکننده و ناهنجار او مطابقت دارد. عادت های مشروب خواری و روابط متعدد او مدتهاست که مورد توجه بوده است. افشاگری های این چنینی درک ما را از هنرمندی که از جا افتادن دقیق در دسته بندی ها ، و از همه مهمتر برچسب حمایت کننده “زن نقاش” ، امتناع می کرد، دشوار میسازد.
او با هنرمند فرانسوی ژان پل ریوپل در اواخر دهه 1950 و 1960 ماه ها در سفر در دریای مدیترانه به سمت کورسیکای ایتالیا و یونان بود. همانطور که رابرتز در مقاله خود خاطرنشان می کند، این شیوه زندگی سرگردان بهره وری میچل را کند کرده و در نتیجه فرصت های کمتری برای تولید آثار به شیوه ای که او به آن عادت داشت، ایجاد می کند.
راه حل او این بود که به خاطرات مناظر بازگردد، احساسات را در آبشارهای رنگ و شستشو تصفیه کند. این تفاسیر زنده کننده و تأمل برانگیز است و مجموعه ای از آثار پاستل روی کاغذ از 1975، همکاری میچل و شاعر جیمز شویلر ، بر تأثیر عمیق شعر بر نقاشی او گواهی می دهد.
با این حال ، زبان به تنهایی نمی تواند لذت کامل نقاشی های دیرهنگام او را اندازه گیری کند. این تغییر چشمگیر است: مقیاس های عظیم ، برخورد، رنگ های زنده و تغییرات خشن در بافت. از اوایل دهه 1970 تا مرگ او در سال 1992 ، میچل دوران آزادی شگفت انگیز ، مالیخولیایی فلج کننده و پذیرش بی میلی مرگ و میر خود را پشت سر گذاشت. در این مورد، او از قهرمان خود ون گوگ تقلید کرد و موضوع مورد علاقه خود را در مورد آفتابگردان، هر چند با علاقه خاص خود، به پایان رساند، که در دیپتیک متراکم و 1990 به پایان رسید که با خوشه هایی از ضربات ضخیم و گناه آمیزی پوشانده شده است که با قطرات نازک رنگ پوشانده شده است.
در آثار چندلایه ای مانند La Vie en Rose” (1979)” ، میچل بخش های پرانرژی – تقریباً خشونت آمیزی از قلم موهای سیاه و آبی را در مقابل بنفش و صورتی کم رنگ قرار می دهد و حس بیننده را از مقیاس نقاشی تار می کند و چشم را به طرف هر 4 لته هدایت می کند. به طور مشابه ، رنگ آمیزی بیش از حد زرد در La Ligne de la rupture” (1970-71)” وقتی در برابر قاب مستطیل آبی تیره آن دیده می شود ، طلایی به نظر می رسد ، این ثابت می کند که میچل ، با تمام دانش خود در مورد کارکرد رنگ ، تمام تلاش خود را برای خیره کردن مخاطبانش به کار برده.
تا انتها، جوآن میچل تعهد خود را فدای دیدگاه هنری متمایز خود رها نکرد، و در مورد آزمایشات خود در مقیاس و نظریه رنگ، مصالحه نکرد. او جای خود را پیدا کرده بود؛ او دیگر سرگردان نبود. او توانسته بود به نقاشی خود قدرت حرکت واقعی را بدهد و مخاطب خود را به اعماقی برساند که به تنهایی از آن عبور کرده بود.
منبع
